1- J.D. Stéphane Jacob-Langevin, bonjour et bienvenue sur Clicinfospectacles.fr, tout d’abord pouvez-vous vous présenter à nos lecteurs ?

S.J Bonjour,

Je suis Stéphane Jacob-Langevin, fondateur et directeur depuis 1996 de la galerie Arts d’Australie • Stéphane Jacob, située au 13 rue Chapon, au cœur du Marais, à Paris.

Ma passion pour l’Australie et ses expressions artistiques est née d’un voyage qui a profondément marqué ma vie. J’y ai découvert la force, la beauté et la richesse spirituelle de l’art aborigène, profondément enraciné dans le Dreamtime, ou Temps du Rêve, cet ensemble de récits mythologiques et de traditions ancestrales qui racontent la création du monde, des êtres vivants et des territoires, et qui continuent de structurer la vision du monde et la spiritualité de nombreux peuples aborigènes. J’ai également été fasciné par l’extraordinaire diversité des cultures, des sensibilités et des histoires de ce pays-continent. Cette rencontre a été une véritable révélation et m’a donné envie de consacrer mon parcours à faire connaître et apprécier les arts d’Australie en Europe.

Depuis trente ans, je mets toute mon énergie et mon enthousiasme au service des artistes australiens dans toute leur diversité : artistes aborigènes, artistes insulaires du détroit de Torres, porteurs de traditions culturelles et artistiques singulières, mais aussi artistes occidentaux non aborigènes dont les créations interrogent l’identité, le territoire, la mémoire et le rapport à la nature.

Ce qui me passionne dans ces arts, au-delà de leur beauté et de leur richesse esthétique, ce sont avant tout les femmes et les hommes qui les font vivre. Leurs parcours, leurs histoires, leurs cultures, leurs émotions et leur manière de regarder le monde. Chaque œuvre est l’expression d’une sensibilité, d’une expérience et parfois d’une mémoire collective. Dans l’art aborigène, les récits du Dreamtime, transmis de génération en génération, trouvent notamment une expression artistique qui relie intimement les êtres humains, les ancêtres et la terre. J’aime ces rencontres et ces échanges qui permettent de mieux comprendre les artistes et de découvrir, à travers leurs créations, des univers humains et culturels souvent fascinants.

À travers ma galerie, j’ai à cœur de créer des passerelles entre les cultures, de favoriser les rencontres et de transmettre bien davantage qu’une connaissance artistique : une émotion, une histoire, un regard sur le monde. Des traditions ancestrales aux expressions les plus contemporaines, je souhaite partager toute la richesse et la pluralité de la scène artistique australienne.

Expert agréé auprès de la C.N.E.S., auteur d’ouvrages de référence et commissaire d’exposition, j’ai également eu l’honneur d’être distingué comme Officier honoraire de l’Ordre d’Australie et Chevalier de l’Ordre du Mérite culturel de Monaco.

Au-delà de mon expertise, je reste avant tout un passionné, profondément attaché aux artistes, à leurs histoires et au sens de leurs œuvres. Je défends une approche exigeante, authentique et respectueuse des différentes cultures, fondée sur la confiance, le dialogue et les relations humaines.

Chaque œuvre est pour moi une invitation au voyage, à la découverte et à la rencontre de l’autre. C’est cette passion que j’aimerais partager avec vous, en vous accueillant à la galerie, avec simplicité et plaisir, pour vous faire découvrir toute la richesse, la diversité et l’humanité des arts d’Australie.

2- J.D. Jusqu’au 23 janvier 2027, vous présentez, à la galerie Arts d’Australie • Stéphane Jacob (13 rue Chapon, Paris 3^e) le travail de l’artiste GW Bot, qui est-elle ?

S.J. Née en 1954 à Quetta, au Pakistan, de parents australiens, GW Bot est une artiste australienne dont l’œuvre explore les liens profonds entre l’être humain, le paysage et le monde intérieur. Son enfance, passée dans différents pays au gré des affectations de son père militaire, lui a très tôt donné une sensibilité particulière aux cultures, aux territoires et aux différentes manières d’habiter le monde. Cette ouverture sur d’autres horizons a profondément nourri son imaginaire et sa démarche artistique.

Après des études artistiques à Londres, Paris et en Australie, elle obtient son diplôme à l’Australian National University de Canberra en 1982. Depuis 1985, elle se consacre entièrement à sa pratique artistique. Installée à Canberra, elle puise une grande partie de son inspiration dans les paysages australiens qui l’entourent, dont elle cherche à traduire les formes, les rythmes et les forces invisibles à travers un langage plastique très personnel.

Le wombat occupe également une place particulière dans son univers. Elle en a fait son animal totémique, en référence à cette relation profonde entre l’être humain et son environnement que l’on retrouve dans certaines traditions aborigènes. Son nom d’artiste, GW Bot, est d’ailleurs inspiré de l’une des premières appellations écrites du wombat dans une source française : « le Grand Wam Bot ». Cette référence illustre bien son attachement au monde naturel et à l’identité australienne.

Depuis plus de quarante ans, GW Bot développe une œuvre singulière qui traverse plusieurs disciplines : gravure, peinture, sculpture et graphisme. Son travail, nourri par une observation attentive de la nature, par ses voyages et par de nombreuses références artistiques et littéraires, s’est progressivement imposé comme une contribution importante à la scène artistique australienne contemporaine.

Son parcours témoigne d’une reconnaissance internationale remarquable : plus de soixante expositions personnelles, dans les grandes villes australiennes mais aussi à Londres, Paris, New York et Los Angeles, ainsi que plus de trois cents expositions collectives à travers le monde. Elle a également participé à de nombreuses résidences d’artistes en Australie, en Europe et en Asie, et réalisé différentes commandes publiques et privées.

Cette reconnaissance se manifeste tout particulièrement par la présence de ses œuvres dans une centaine de collections publiques et institutionnelles de référence. Elles sont notamment conservées à la National Gallery of Australia à Canberra, à l’Albertina de Vienne, au British Museum et au Victoria and Albert Museum de Londres, à la Bibliothèque nationale de France à Paris, ainsi qu’au Fogg Museum de l’université Harvard aux États-Unis. En Australie, ses œuvres figurent également dans les collections de la Queensland Art Gallery | Gallery of Modern Art à Brisbane, de l’Art Gallery of South Australia à Adélaïde, de la National Library of Australia, de la Mitchell Library à Sydney, de la State Library Victoria à Melbourne et de l’Araluen Art Centre à Alice Springs. Plusieurs institutions importantes en Ukraine, en Pologne, au Japon et en Chine conservent également ses créations.

Au-delà de ce parcours impressionnant, je vois surtout en GW Bot une artiste profondément indépendante et singulière, qui a su construire au fil des années un univers immédiatement reconnaissable. Son œuvre nous invite à porter un regard différent sur la nature, à en déchiffrer les signes et à nous interroger sur les liens qui unissent l’homme à son environnement.

3- J.D. Le titre « Glyphmaker- la métamorphose des signes », pouvez-vous nous en parler ?

S.J. Le titre Glyphmaker a été choisi par l’artiste elle-même. Il désigne littéralement celle qui crée les glyphes, ces signes ou motifs graphiques qui peuvent prendre différentes formes et fonctions : traits gravés, signes pictographiques ou encore caractères typographiques. Le terme anglais présente toutefois une subtilité difficile à restituer par une simple traduction française : il ne désigne pas seulement le signe en lui-même, mais aussi l’action de le créer, de l’inventer et de lui donner forme.

Nous avons donc choisi ensemble de conserver ce titre anglais, auquel nous avons associé le sous-titre français La métamorphose des signes. Celui-ci vient enrichir le sens de Glyphmaker en introduisant une notion essentielle dans le travail de l’artiste : celle de la transformation.

GW Bot a développé un langage visuel très personnel, constitué d’un vaste répertoire de glyphes qui traverse l’ensemble de son œuvre et les différents médiums qu’elle utilise. À travers ces signes, elle propose une véritable cartographie du paysage, non pas géographique ou descriptive, mais intuitive et profondément subjective. Chaque motif trouve son origine dans son expérience personnelle et dans son observation attentive de l’environnement. Certains évoquent des branches, des brindilles ou encore les traces laissées par des papillons de nuit sur les eucalyptus. D’autres suggèrent des formes organiques, animales ou humaines, faisant écho à différentes manières d’appréhender et de comprendre le monde vivant.

Ces glyphes ne sont donc pas de simples motifs décoratifs. Ils constituent un véritable vocabulaire visuel, riche de plusieurs niveaux de lecture et d’associations. Ils peuvent notamment évoquer des formes abstraites du paysage, mais aussi des signes cosmologiques qui traduisent le passage du temps, le rythme des saisons ou la succession des phénomènes naturels.

C’est précisément cette relation entre le signe, le paysage et le temps qui nous a conduits à choisir le sous-titre La métamorphose des signes. L’artiste cherche en quelque sorte à déchiffrer le langage de la nature, à lire dans les paysages une forme d’écriture et à en traduire les rythmes, les transformations et les cycles de la vie. Elle observe, interprète, puis transforme ces perceptions en un langage plastique qui lui est propre.

Il y a dans cette démarche une véritable poésie : apprendre à lire le paysage comme on déchiffre un texte, reconnaître les signes du vivant et les traduire en formes nouvelles. C’est un cheminement qui conduit de l’observation à la création, du monde naturel à sa réinterprétation, et du signe à un langage artistique singulier.

4- J.D. Comment définiriez-vous ses œuvres ?

S.J. Je définirais les œuvres de GW Bot comme des cartographies poétiques et intuitives du monde vivant, à la croisée de l’abstraction et de l’évocation du paysage. Elles se caractérisent par un langage visuel singulier, composé de « glyphes », des signes qu’elle invente et transforme au contact de la nature. Évoquant tour à tour des formes végétales, animales ou humaines, ces motifs se répètent, se répondent et se superposent pour composer une écriture personnelle, riche de correspondances et volontairement ouverte à l’interprétation.

L’artiste ne cherche pas à représenter fidèlement la nature, mais plutôt à en traduire les rythmes, les forces et les métamorphoses. Les paysages australiens, des forêts aux terres arides, deviennent ainsi la matière d’une véritable écriture visuelle.

Son imaginaire s’est également nourri de nombreux voyages en Europe et au Moyen-Orient, de l’art byzantin aux tapis orientaux, en passant par les sculptures d’Aghtamar et La Dame à la licorne. La littérature et la poésie, notamment l’œuvre d’Alexandre Pouchkine, occupent également une place importante dans sa réflexion artistique.

Le jardin est progressivement devenu un thème central de son travail. Inspiré notamment de la tradition de l’hortus conclusus, le jardin clos des représentations médiévales et religieuses, il devient un espace de contemplation et de spiritualité, à la frontière du visible et de l’invisible. Cette sensibilité au jardin et à sa dimension picturale peut, par certains aspects, évoquer celle de Pierre Bonnard.

Profondément ancrée dans le territoire australien, son œuvre témoigne aussi d’une attention particulière à la fragilité de la nature. Incendies, sécheresses et inondations nourrissent une réflexion sur les cycles du vivant, la disparition et la renaissance. GW Bot s’intéresse particulièrement à l’évocation de l’invisible et aux jeux de dualités : jour et nuit, soleil et lune, visible et invisible, vie et mort. Ces oppositions expriment les transformations et les équilibres du monde naturel. Le « soleil noir », motif récurrent dans son travail, incarne cette dimension cosmique et symbolique, évoquant l’obscurité et la lumière, la disparition et la régénérescence. Malgré les bouleversements climatiques, le paysage australien offre ainsi une puissante illustration de la résilience de la nature et de sa capacité à renaître, parfois de ses cendres.

Enfin, la matière joue un rôle essentiel dans sa création. GW Bot associe linogravure, pigments, graphite, découpes et tapa, une étoffe traditionnelle fabriquée à partir d’écorce battue. Elle joue avec les empreintes, les superpositions et les transparences pour construire des œuvres à la fois graphiques et sensibles.

Le choix du papier est particulièrement déterminant dans son processus créatif. L’artiste ne le considère pas comme un simple support, mais comme un véritable « sol fertile ». Sa texture, sa densité et sa capacité d’absorption participent pleinement à la naissance de l’œuvre : le papier accueille les signes, réagit aux matières et contribue à leur transformation. Il devient ainsi un partenaire de création à part entière.

5- J.D. Qu’est-ce la technique dite de la linogravure qu’elle utilise ?

S.J. La linogravure est une technique d’estampe en relief, proche dans son principe de la gravure sur bois. Elle consiste à graver une plaque de linoléum afin de créer une image qui sera ensuite imprimée sur papier.

L’artiste commence par dessiner son motif sur la plaque, en tenant compte du fait que l’image apparaîtra inversée lors de l’impression. À l’aide de gouges, elle creuse ensuite le linoléum pour retirer les parties qui ne doivent pas recevoir d’encre. Seules les zones laissées en relief sont encrées à l’aide d’un rouleau. Le papier est alors posé sur la plaque et pressé, de manière à transférer l’image. La plaque gravée fonctionne ainsi un peu comme un tampon et peut être réutilisée pour réaliser plusieurs tirages.

Cette technique permet de jouer sur les contrastes, les lignes, les textures et les effets de matière. Elle exige à la fois précision et spontanéité, car chaque geste de la gouge laisse une empreinte qui participe à l’identité de l’œuvre.

La linogravure occupe une place centrale dans le travail de GW Bot, qui l’associe à d’autres pratiques comme l’aquarelle, le dessin, la peinture et différentes interventions sur le papier.

6- J.D. Comment avez-vous choisi les œuvres présentées ? Y en a t il des inédites ?

S.J. Je représente le travail de GW Bot depuis une vingtaine d’années, mais c’est la première fois que je lui consacre une exposition personnelle dans ma galerie. C’est donc un moment particulier, que nous avons souhaité construire ensemble, dans un véritable esprit de dialogue et de complicité artistique.

Nous avons imaginé cette exposition à quatre mains, en partant d’une sélection d’œuvres que je conservais à la galerie et en laissant à l’artiste une grande liberté de création. Elle a ainsi réalisé une vingtaine d’œuvres inédites, spécialement conçues pour cette occasion. C’était important pour nous de ne pas simplement présenter un aperçu de son travail passé, mais de donner à voir également ses recherches les plus récentes et les nouvelles directions de sa création.

Le choix des œuvres et leur accrochage se sont ensuite construits assez naturellement. Nous avons été attentifs aux correspondances qui se créaient entre elles, qu’il s’agisse des papiers utilisés, des couleurs, des textures, des motifs ou des formes. Certaines œuvres se répondent, d’autres se prolongent ou créent des contrastes. Peu à peu, un dialogue s’est installé entre les pièces, donnant à l’ensemble une véritable cohérence, tout en préservant la singularité de chacune.

7- J.D. A-t-elle eu dans son parcours artistique plusieurs périodes ? Et quels sont les thèmes qu’elle aborde ?

S.J. Oui, son parcours artistique a connu plusieurs évolutions importantes, même si certaines préoccupations fondamentales traversent toute son œuvre depuis ses débuts.

Sa passion pour la linogravure naît très tôt, lorsqu’elle est adolescente à Londres. Cette technique, dont elle découvre les possibilités expressives et la grande liberté d’expérimentation, ne l’a depuis jamais quittée. Ses premières œuvres, dans les années 1980, s’inspirent beaucoup de son environnement intime et domestique. Elle y aborde notamment la condition féminine, la maternité, la vie familiale et les émotions humaines, en mêlant scènes du quotidien et références spirituelles.

À partir des années 1990, son langage artistique devient progressivement plus abstrait, plus complexe et plus symbolique. Ses voyages en Europe et au Moyen-Orient, sa fascination pour l’art médiéval, l’art byzantin et la poésie enrichissent considérablement son imaginaire. Son travail s’ouvre alors à de nouvelles dimensions, notamment avec l’apparition du thème du jardin, qui devient une métaphore de l’espace intérieur, de la spiritualité et du passage entre le monde visible et l’invisible.

Peu à peu, le paysage australien prend une place centrale dans sa création. À travers ses milliers de croquis et ses observations quotidiennes de la nature, GW Bot développe son propre langage de signes, les « glyphes ». Elle ne cherche pas à représenter fidèlement un paysage, mais à en traduire les rythmes, les forces et les transformations. Le paysage devient alors bien davantage qu’un sujet : il est le miroir de notre condition humaine et une métaphore du cycle de la vie, de la naissance à la mort, jusqu’à la renaissance.

Dans ses œuvres les plus récentes, cette réflexion prend une dimension particulièrement forte autour de la fragilité de la nature, des bouleversements climatiques et de la capacité du vivant à se régénérer. Les incendies, les sécheresses et les destructions qui marquent le territoire australien nourrissent une réflexion sur la disparition et le renouveau. Le motif récurrent du « soleil noir » traduit notamment cette dualité entre obscurité et lumière, fin et commencement, mort et renaissance.

Au fond, je dirais que son œuvre s’est progressivement déplacée de l’intime vers le paysage, puis du paysage vers une réflexion plus universelle sur notre place dans le monde. Mais l’humain reste toujours au cœur de sa démarche : à travers la nature, GW Bot parle de nous, de notre rapport au vivant, de notre fragilité et de notre capacité à espérer et à renaître.

8- J.D. La couleur a une place importante voir primordiale dans son œuvre comment l’appréhende t elle ?

S.J. La couleur occupe une place importante dans le travail de GW Bot, mais sa manière de l’appréhender a évolué au fil du temps. Dans ses premières œuvres, elle utilisait volontiers des couleurs vives et des associations très contrastées, capables de restituer toute la chaleur et l’intensité des paysages australiens. Aujourd’hui, elle privilégie généralement une palette plus réduite et intervient avec davantage de parcimonie, en choisissant chaque couleur pour sa nécessité et sa portée expressive.

Le noir occupe une place particulièrement importante dans son œuvre. Elle aime d’ailleurs citer cette phrase attribuée à Matisse : « Cela fait quarante ans que je découvre que la reine de toutes les couleurs est le noir. » Pour elle, le noir n’est pas une absence de couleur : il apporte de la profondeur, structure l’espace et révèle toute la richesse des formes et des textures. Le rouge, quant à lui, est souvent associé à la vie, à l’énergie et à la régénération. Le blanc, les ocres et les teintes naturelles des papiers ou des fibres végétales viennent compléter cette palette.

Elle accorde également une grande importance aux couleurs propres aux matériaux qu’elle utilise, notamment le tapa, dont les nuances et les variations naturelles évoquent parfois les verts du bush australien. Elle ne cherche pas nécessairement à imposer une couleur à la matière, mais sait au contraire tirer parti de ses qualités intrinsèques.

9- J.D. Considéré comme artiste australienne, d’après vous comment ce pays qu’est l’Australie se traduit il dans ses œuvres ?

S.J. Je pense que l’Australie est omniprésente dans l’œuvre de GW Bot, mais pas simplement comme un décor ou un sujet de représentation. Elle constitue véritablement le socle de son imaginaire et de sa réflexion artistique. C’est un territoire qu’elle connaît intimement, qu’elle parcourt, observe et dessine depuis de nombreuses années. Elle en capte les reliefs, les végétations, les arbres noueux, les herbes, les cours d’eau, les vastes prairies et les variations de lumière au fil des saisons.

Elle ne cherche pourtant pas à reproduire fidèlement ces paysages. Elle en propose une interprétation très personnelle et poétique, notamment à travers son langage de signes, les « glyphes », qui traduisent les formes, les rythmes et les forces du monde naturel.

Dans ses linogravures, elle parvient à restituer à la fois l’immensité du territoire australien et les détails les plus infimes de son environnement, en associant une vision presque panoramique du paysage à une observation du vivant.

Mais l’Australie représente aussi pour elle un territoire de réflexion sur la fragilité de la nature et les grands cycles de l’existence. Ce pays est soumis à des conditions climatiques extrêmes : incendies, sécheresses, inondations. Pourtant, malgré les destructions, la végétation finit par renaître. Cette capacité de régénération nourrit profondément son travail. Dans plusieurs de ses œuvres récentes, des paysages parfois sombres, presque dévastés, laissent apparaître de jeunes pousses, des traces de vie et des signes de renouveau.

GW Bot résume très joliment sa démarche en expliquant que le paysage australien est, dans son travail, une métaphore qui lui permet d’exprimer toute une palette d’idées et de sentiments. Elle évoque notamment le désir de « ramener le spectateur à la maison », de l’amener au cœur du paysage australien.

C’est finalement ce qui me touche particulièrement dans son œuvre : à travers un territoire profondément singulier, elle nous parle de choses universelles. De notre rapport à la nature, de notre place dans le monde, de notre fragilité, mais aussi de notre capacité à nous transformer et à renaître.

10- J.D. Selon vous quelles sont ses sources d’inspirations ? Et avec le temps n’est elle pas devenu elle-même source inspiration ?

S.J. Les sources d’inspiration de GW Bot sont particulièrement riches et variées. Elles puisent aussi bien dans l’histoire de l’art que dans la littérature, la poésie, la spiritualité et, bien sûr, dans son observation intime de la nature.

Sa passion pour la gravure est née très jeune, à Londres, où elle découvre notamment Claude Flight et le mouvement britannique de la linogravure. Elle s’intéresse également aux grands maîtres comme Dürer, Rembrandt, Matisse ou Picasso. Ses nombreux voyages en Europe et au Moyen-Orient ont profondément nourri son imaginaire : les églises médiévales, l’art byzantin, les sculptures de la cathédrale d’Aghtamar en Turquie, les tapis orientaux ou encore les tapisseries de La Dame à la licorne au musée de Cluny ont laissé des traces durables dans son vocabulaire artistique.

La littérature et la poésie, notamment Alexandre Pouchkine et William Butler Yeats, occupent également une place importante dans sa réflexion sur la création.

Mais sa principale source d’inspiration reste sans doute le paysage australien, qu’elle observe et dessine depuis des décennies. Elle y trouve une matière inépuisable, à la fois esthétique, symbolique et philosophique.

Et pour répondre à la deuxième partie de votre question, oui, je pense qu’elle est aujourd’hui devenue elle-même une source d’inspiration. Par la singularité de son langage visuel, son extraordinaire maîtrise de la linogravure et sa capacité à faire dialoguer des univers culturels très différents, elle a développé une œuvre immédiatement reconnaissable. Son travail a été largement exposé et ses œuvres sont présentes dans de grandes collections muséales internationales.

Mais ce qui me semble le plus remarquable, c’est qu’après plus de quarante ans de création, elle continue à se renouveler et à explorer de nouvelles voies. Elle n’est pas dans la répétition d’une formule qui a fait son succès. Elle poursuit une véritable recherche artistique, toujours en mouvement. C’est aussi cette liberté et cette exigence qui font d’elle une artiste inspirante.















11- J.D. En vous remerciant, vous qui l’exposez que veux nous dire Gw Bot à travers sa peinture, son œuvre ?

S.J. Je pense que GW Bot cherche avant tout à nous faire partager son regard sur le monde et à nous sensibiliser au lien profond qui nous unit à la nature. À travers les paysages australiens qui nourrissent son imaginaire, elle nous parle aussi de nous-mêmes, de notre place dans le monde, de nos fragilités et de notre rapport au vivant.

Ce qui me touche particulièrement dans son travail, c’est sa réflexion sur les grands cycles de l’existence : la naissance, la disparition, la transformation et la renaissance. Elle est très sensible aux menaces qui pèsent aujourd’hui sur notre planète, mais son propos n’est jamais désespéré. Elle croit profondément en la capacité de la nature à se régénérer. Elle écrit d’ailleurs : « Même après les sécheresses les plus graves ou les incendies de forêt les plus terribles, les jeunes pousses finissent par apparaître. Même avec la mort, il y a une promesse de renaissance. » Je trouve cette idée particulièrement belle et pleine d’espoir.

À travers ses glyphes, ses jeux de formes et de matières, GW Bot cherche également à évoquer l’invisible, la mémoire et les liens parfois mystérieux qui unissent toutes les formes de vie. Elle ne cherche pas simplement à représenter un paysage, mais à en révéler l’âme, à entrer en dialogue avec lui et à nous faire partager ses propres émotions et perceptions.

Après vingt ans à suivre et à défendre son travail, je dirais que ce qui me séduit particulièrement chez cette artiste, c’est précisément cette capacité à partir d’un territoire très singulier pour nous parler de sujets profondément universels. Son œuvre nous invite à prendre le temps de regarder, de ressentir et de retrouver notre place au sein du monde vivant. C’est un art à la fois exigeant, sensible et profondément humain.